茱莉亚音乐学院始创于1905年，是美国最具盛名的高等音乐学府。临近纽约百老汇，得天独厚的地理位置，加上深厚的教学实力，使其成为美国最具影响力的音乐剧圣殿。近年来，学院不断创新音乐剧教学，致力于培养多元化的音乐剧人才，为美国音乐剧的发展提供了源源不断的动力，被誉为“音乐哈佛”。
茱莉亚音乐学院自1905年10月以“音乐艺术学校”的名称建校以来，尽管第一年在校生不到五百人，茱莉亚就开始在全美为表演艺术教育奠定了标准。今天的茱莉亚音乐学院继续体现这一高标准，并不断适应美国及世界日益变化的文化需求。
学院现有800多名舞蹈、表演和音乐系的学生，他们来自美国47个州，世界50多个国家。学院颁发从学士到博士学位，并颁发选择性高、竞争极为激烈的爵士、歌剧、表演、弦乐四重奏、剧作和戏剧导演学位。茱莉亚的毕业生都是表演艺术家，他们在全世界表演艺术团体中继续体现着职业的最高标准。
茱莉亚音乐学院的确是全球音乐学子的梦想之地，但学院超低的录取率也令不少考生望而生畏。茱莉亚音乐学院的校长约瑟夫·波利西对报考者提出了这样的要求：戏剧专业寻找的是富有想象力和创造力的学生，舞蹈专业则注重考察学生的技巧和基本功。如果说到乐器，比如钢琴和小提琴，茱莉亚音乐学院寻找的学生要能演奏非常高水准的表演曲目，要有高深的造诣和娴熟的技巧。而对其他乐器的要求相对宽松一些，但仍然很难考。
科学的教学理念，严格的教学管理
在专业设置上，学院从自身的客观条件出发，充分发挥自身特长，同时也十分注重当今世界艺术人才市场的需求。
在人才培养上，学院强调必须培养“全面的人才”。所谓人才不仅仅是拥有高超技术的人，而且是具备开阔视野、知识丰富、懂得如何去成为一名艺术家的人。培养人才应当从人才自身的条件出发，从学院自身的实际出发。在毕业问题上，学校没有严格的学制，只要修满规定的学分，学生便可以毕业。
此外，即便在选定专业后，学生仍旧有机会选择真正适合自己发展的专业。学院的教师会根据学生的学习情况，以及自身的特点，为学生提供职业指导，帮助学生找到最适合自身发展的方向。同时，很多专业课程都是面向全校学生开放的，每一个人都有机会去学习自己感兴趣的艺术。在学院看来，所有的艺术都是相通的，只有充分学习，才能将艺术的特性完全发挥出来。
虽然学院没有专属编制的专业师资，但是凭借自身在音乐领域内的崇高地位，却能够吸引到一批大师级的人物来校兼职任教。对于很多音乐大师而言，能够在茱莉亚任教是自己职业生涯得到高度肯定的证明。常年在学院任教的专业教师，大体上在250人左右，其中多数为本专业领域内的杰出人才，甚至是被公认的大师级人物。例如世界级大师伯尔曼，世界著名钢琴演奏家马友友，青年钢琴演奏家郎朗等，都曾有过在茱莉亚执教的经历。
茱莉亚音乐学院知名校友
大提琴演奏家马友友
作为一所百年名校，学院始终将创新放在首位。自20世纪80年代起，为改变以往只重视技术，而不重视文化的状况，学院开始了大规模的课设置改革。为不影响学生，学院设计了长期性的改革规划。先从局部实验开始，摸索经验，等到有把握后，才开始大规模实施。以音乐专业为例，除音乐专业课程外，学生必须参加西方文化史及世界文化史的学习。
文化课程的学习并非是浅尝辄止的，而是贯穿整个学习过程，并且要接受专业的考核。再以室内乐为例，为适应市场需求的变化，学校加强了音乐创作方面的培养。在改革的过程中，学院不断听取专业意见，不断根据当前情况进行调试，从而确保达到最佳的教学效果。
立足市场，实现多元艺术融合
在全球化时代，音乐市场的变化是非常剧烈的。近年来，由于受到经济因素的影响，美国国内的音乐市场有所萎缩，因此职业竞争更为激烈。以音乐剧专业为例，作为美国的国粹，其深受美国及世界人民的喜爱。新世纪以来，美国音乐剧已经完全走出国门，成为一种新的艺术。在美国国内，音乐剧演员有着较高的社会地位和可观的收入，因此成为众多青年人的追梦对象。
音乐剧是一门高度综合的艺术，集中了音乐和戏剧的双重特征，是具有高难度的艺术形式。在音乐剧的发展过程中，学院始终扮演着十分重要的角色。无数优秀的音乐剧人才，从茱莉亚走向百老汇舞台，又从百老汇舞台走向世界。为培养出高素质的音乐剧人才，学院开设了一系列有针对性的课程，所有课程都是从音乐剧的基本特征出发，力求达到多元艺术之间的高度融合。
音乐剧是一门高度综合的艺术，集中了音乐和戏剧的双重特征，是具有高难度的艺术形式。在音乐剧的发展过程中，学院始终扮演着十分重要的角色。无数优秀的音乐剧人才，从茱莉亚走向百老汇舞台，又从百老汇舞台走向世界。为培养出高素质的音乐剧人才，学院开设了一系列有针对性的课程，所有课程都是从音乐剧的基本特征出发，力求达到多元艺术之间的高度融合。
声乐课是音乐剧活动的基础，同时也是其他一些音乐活动的基础。由于并非每一位学生最终都可能成为优秀的音乐剧人才，为了让学生在毕业后能有更多的选择，学院高度重视基础能力的训练。在基础声乐教学中，并不区分美声、流行，或是音乐剧，而是让各专业的学生在同一个教室内，充分学习不同声乐教学内容，从而拓宽自身的视野，提升自身的素质。
音乐剧理论教学是茱莉亚音乐学院教学的一大特色。学院是最早开设音乐剧理论的高等院校。在多数人将音乐剧视为一种流行文化的时候，学院的教授已经开始系统性研究。作为音乐剧专业的学生，必须接受系统性的音乐剧理论学习。学院认为，理论是一切实践活动的基础，也是成为一名出色艺术家的必需。只有夯实了理论基础，才能将各门艺术融会贯通，才能实现创新和发展。
同时学院十分重视理论和实践之间的联系，所有的理论课程都配有一定的实践活动。例如声乐理论和声乐实践相结合，戏剧理论与戏剧创作相结合，表演理论与表演活动相结合。总之，所有的理论都不是停留在课堂中、书本上的，而是要每一个学生亲身去实践，并且证明其有效性，或是不足之处。
声乐表演课是音乐剧的专业课。音乐剧是一门综合的艺术，是声乐和表演的高度融合。在声乐表演课的教学上，学院突破传统模式，将音乐剧专业和舞蹈专业、歌剧专业的学生放在一块，让音乐剧专业的学生，能够充分体会到其他艺术的特点，向各种艺术学习，从而达到丰富自身的目的。同时，学院要求音乐剧专业的学生能够达到其他专业学生的一般水平，参与学习其他专业的一些课程，例如舞蹈编排、舞蹈生理学、戏剧理论、表演理论等。
注重实践，培养创新人才
美国教育素来以实用著称，音乐教育更是如此。学院的教师们认为，实用是第一位的，只有立足实用，才有可能实现创新。因此，学院并不会鼓吹所谓的创新，而是要求每一个学生踏踏实实地学习，培养自身基本的实践能力。以音乐剧为例，作为一门现代艺术，同时也是一门高度实践的艺术，在学习的过程中必须以大量的实践为基础，才能取到良好的效果。
为保证学生能更多地参与音乐剧的创作和实践演出，音乐剧专业每年会组织系内学生，或是从舞蹈系、戏剧系中邀请一些学生来参加音乐剧的编排和表演。虽然表演剧目都是经典的，或是百老汇正当红的演出，但是教师要求学生开展二度创作，而不是一味地模仿。
学院不仅重视音乐剧表演人才的培养，同时也十分注重创作人才的培养。在音乐剧写作课程方面，茱莉亚设计了大量实用的写作课程，例如戏剧写作、戏剧心理学、古典戏剧编写、现代戏剧写作等。在教学方法上，学院也可谓是别具一格。写作从根本上而言，是以实践为基础的，因此除史论课之外，所有的音乐剧写作课程都是围绕实践展开的。
在教学过程中，编剧系、作词系及作曲系的学生被糅合在一起，以创作小组的形式接受教学。教学完毕后，每个小组必须提交自己的作品，交由教师打分，作为自己的学业成绩。第一年的分组由教师决定，第二年则自由组合。
除参与本专业的创作实践外，学院还要求专业学生参与到其他专业的创作活动之中。例如音乐系的学生必须参与舞蹈系的创作活动，尝试将舞蹈系的作品改编成音乐剧作品。在毕业时，学校还会聘请百老汇的专业导演，指导学生编排音乐剧，并且邀请一些业内专家来观摩。
名师介绍
马蒂·雷卡利奥
马蒂·雷卡利奥，国际著名钢琴教育家、演奏家。精通芬兰语、英语、德语、俄语等，现任美国茱莉亚音乐学院钢琴教授。
马蒂·雷卡利奥1954年生于赫尔辛基。他先后执教于汉诺威国立音乐戏剧传媒大学与美国茱莉亚音乐学院。1980年他在卡耐基音乐厅首演获得极大成功之后，多次在欧洲、美洲和亚洲举办自己的独奏音乐会和钢琴大师课，备受古典钢琴乐迷的欢迎。
马蒂·雷卡利奥精通包括母语在内的8中不同语言。目前在国际上已发行过20张钢琴CD，其中包括完整版普罗科菲耶夫钢琴奏鸣曲全集与安托·宾斯坦的完整钢琴协奏曲两套重量级作品。
马蒂·雷卡利奥多年来担任中外各大钢琴大师班主讲教授及夏令学院客座教授，他在音乐中主张对情感的表现力，音乐中那些美妙的旋律所勾勒的画面往往是难以解释的事情，比如它有时能惹恼你，像是重新在曲子里注入了某种能量，在你演奏的时候，将那种能量完全释放出来，既是一种特别的绷紧感，而曲子的抒情性也不被削弱。他被称作为当今钢琴艺术领域中能够完美地总结前人在钢琴上的经验和成果，以及开辟未来钢琴音乐发展承前启后的钢琴大家。
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