耶鲁摄影学派
(The Yale School of Photography)
在之前的文章中，介绍了德国的杜塞尔多夫学派。自贝歇尔夫妇以“新地形学”而改变了二十世纪后期摄影的进程。他们的学生安德烈亚斯•古尔斯基、坎迪达•霍弗、托马斯•斯特鲁斯、托马斯•鲁夫和阿克塞尔•于特等人继续在艺术摄影上持续创新，挑战了纪实摄影和艺术摄影之间的认知差距。
耶鲁摄影学派形成
沃克•埃文斯，1964年，埃文斯加入康涅狄格州纽黑文市耶鲁大学任平面艺术教授。1974年–1975年，任康涅狄格州纽黑文市耶鲁大学名誉教授。托德•帕帕乔治，1979 年至 2013 年间，他担任耶鲁大学艺术学院摄影研究生部主任。 格雷戈里•克鲁森，于 1993 年被任命为耶鲁大学教员，目前是摄影教授，摄影研究生课程主任。丽莎克雷西于 2004 年被任命为耶鲁大学摄影讲师，并于 2013 年被任命为批评家和艺术本科生研究主任。
耶鲁大学艺术学院的这几位教职员工定义了耶鲁摄影的成功，1964年–1972年在该系教授摄影的沃克•埃文斯。直到1978年，耶鲁大学才正式决定将相关课程系统化、做成一个独立的摄影系。托德•帕帕乔治成为首位系主任，执教长达30年之久。托德•帕帕乔治主修文学出身，摄影生涯始于60年代的纽约市扫街纪实，先后获得两个古根海姆研究金和两个NEA视觉艺术家研究金；托德可以称为这一学派的“引航人”之一，托德在耶鲁大学艺术学院摄影系任教30余年，其对于摄影的思考影响了几代摄影师。也正是在他的手里，“耶鲁学派”成为全世界最重要的摄影流派之一。
当代的耶鲁学派
直到当代，依托美国在文化领域的强势地位，，像菲利普•洛卡•迪卡西亚、格利高里•克鲁森、阿韦拉多•莫雷尔和凯蒂•格兰南等新一批的摄影师也从耶鲁校园走出、在世界影坛大放异彩。耶鲁大学摄影学派打破虚构与现实之间的界限，打破了存在与这两个领域之间的薄弱边界。努力创造了苏珊•桑塔格的现实与虚构的“生态”，探索了现实与幻想、真实与虚构之间的空间。
沃克埃文斯沃克埃文斯（Walker Evans）
美国摄影师、作家和摄影记者
（1903 年 11 月 3 日出生于美国密苏里州圣路易斯，1975 年 4 月 10 日卒于美国康涅狄格州纽黑文。）
沃克埃文斯
沃克·埃文斯是二十世纪最有影响力的艺术家之一，他的黑白照片是20世纪美国的定义文献。他优雅、晶莹剔透的照片和清晰的出版物启发了几代艺术家，从海伦·莱维特和罗伯特·弗兰克到黛安·阿勃丝、李·弗里德兰德、贝恩德和希拉·贝歇尔。作为美国摄影纪实传统的先驱，埃文斯具有非凡的能力，可以将现在视为过去，并将这种知识和历史影响的视觉转化为一种经久不衰的艺术。
埃文斯1922年毕业于马萨诸塞州安多弗菲利普斯学院；曾就读于马萨诸塞州威廉斯敦的威廉姆斯学院。1927 年，在巴黎磨练法语一年并撰写短篇小说和非小说类散文后，埃文斯回到纽约，立志成为一名作家。然而，他也拿起了相机，逐渐将自己的审美冲动转向了文学的策略（抒情、讽刺、精辟描述和叙事结构）进入摄影媒介。
埃文斯的大部分早期照片都揭示了欧洲现代主义的影响，特别是其形式主义和对动态图形结构的强调。但他逐渐摆脱了这种高度审美化的风格，转而发展出他自己对现实主义、观众角色以及普通主题的诗意共鸣的令人回味但更为沉默寡言的观念。1935-1936 年的大萧条时期对埃文斯来说是生产力和成就显着的时期。1935 年 6 月，他接受了美国内政部的一份工作，负责拍摄政府在西弗吉尼亚州建立的失业煤矿工人安置社区。他很快将这份临时工作变成了农业部新政机构移民安置（后来的农业安全）管理局的“信息专家”的全职职位。
在罗伊·斯崔克的指导下，RA/FSA 摄影师（多萝西娅兰格、亚瑟罗斯坦和拉塞尔·李等）被指派记录小镇生活并展示联邦政府如何努力改善农村社区的状况在大萧条时期。然而，埃文斯在工作时几乎不关心意识形态议程或建议的行程，而是满足个人需要，从简单和平凡中提炼出美国生活的精髓。他拍摄的路边建筑、乡村教堂、小镇理发师和墓地显示了对普通人被忽视的传统的深深尊重，并确保了他作为美国杰出纪录片导演的声誉。自 1930 年代后期首次出现在杂志和书籍中以来，这些直接的标志性图像就进入了公众的集体意识，现在已深深植根于大萧条时期的全国共享视觉历史中。
1938 年 9 月，现代艺术博物馆开设了美国摄影展，这是埃文斯第一个十年摄影的回顾展。博物馆同时出版了美国照片——对于许多艺术家来说，这仍然是评判所有摄影专着的基准。这本书首先通过个人（棉农、阿巴拉契亚矿工、退伍军人）和社会机构（快餐、理发店、汽车文化）描绘了美国社会。它以对工厂城镇、手绘标志、乡村教堂和简陋房屋的调查结束——这些遗址和遗迹构成了美国欲望、绝望和传统的有形表达。
1964年，埃文斯加入康涅狄格州纽黑文市耶鲁大学任平面艺术教授。在那里他批评学生摄影师的作品并领导摄影探险。他在题为“抒情纪录片”的就职演讲中展示了他的图片明信片，称这是他的“美学自传”。他在耶鲁大学艺术学院担任平面艺术教授期间，对包括黛安·阿勃丝、李·弗里德兰德和罗伯特·弗兰克在内的一代摄影师产生了影响。
1974年–1975年，任康涅狄格州纽黑文市耶鲁大学名誉教授。
引用——纽大都会艺术博物馆，略有删改
http://www.metmuseum.org/toah/hd/evan/hd_evan.htm（2004年10月）
作品
纽约科尼岛的情侣，1928年，沃克埃文斯
阿拉巴马州佃农的妻子，1936年，沃克埃文斯
撕裂的电影海报，1931年，沃克埃文斯
[午餐室橱窗，纽约]，1929年，沃克埃文斯
[纽约市，标志]，1928年–1929年，沃克埃文斯
[地铁乘客，纽约市]，1938年，沃克埃文斯
弗洛伊德•伯勒斯家的洗手间和餐厅，1936年，沃克埃文斯
杰瑞·汤普森（Jerry L. Thompson），1974 年 10 月，沃克埃文斯，马萨诸塞州玛莎葡萄园岛
一便士图片展示，萨凡纳，1936年，沃克埃文斯
图片说明：这张照片是一个社会片段的合成肖像。它代表了大萧条时期南方一位匿名人像摄影师的橱窗展示。他显然算不上艺术家，但善于节约，热衷于生意，并为自己的行业感到自豪。在他的每张大底片上，他都设法制作了十五张个人肖像。他认为大多数曝光效果都足以用于此广告展示，但他用从其他联系表上剪下的更成功的图像来弥补他偶尔的失败。
匿名劳工， 财富杂志，1946 年 11 月，沃克埃文斯
沃克埃文斯《匿名劳工》项目对新一代耶鲁摄影学派产生了影响。1964年，埃文斯加入康涅狄格州纽黑文市耶鲁大学任平面艺术教授，菲利普-洛卡迪科西亚和凯蒂•格兰南两位摄影师都毕业于耶鲁大学。
菲利普-洛卡迪科西亚（Philip-Lorca diCorcia）的项目《头部》
凯蒂•格兰南（Katy Grannan）的项目《大道》
托德•帕帕乔治托德•帕帕乔治（Tod Papageorge）
（1940年，生于美国新罕布什尔州朴次茅斯）
在美国纽约生活和工作。
帕帕乔治在摄影师画廊（伦敦），2014年
1962年他在新罕布什尔大学的最后一个学期。一个多月后，在接触到亨利·卡蒂埃-布列松的作品后，他决定成为一名摄影师。他很快找到了自己的方式进入一群帮助重新定义媒体的艺术家。也许最重要的是加里•温诺格兰德，他在自己的公寓里举办摄影沙龙。“太棒了，”帕帕乔治回忆道。“我的意思是，每个星期天晚上去他家，让加里像苏格拉底一样思考摄影。” 温诺格兰德的陈述之一是，“我拍照是为了看看照片中的世界是什么样子”，这对帕帕乔治产生了特别的影响。
两人和另一位年轻摄影师乔尔•迈耶罗维茨形影不离。他们一周有几天在第五大道拍摄，通常在现代艺术博物馆咖啡馆结束，他们会在那里喝 25 美分的咖啡并争论。“我们感受到了这种小媒介的宏伟，”迈耶罗维茨说。“而托德是我们当中最有智慧的。” 那是摄影的兴盛时期。1967 年，MoMA 的摄影总监约翰•萨科夫斯基举办了“新文件”展，其中包括李•弗里德兰德、温诺格兰和黛安•阿勃丝的作品。展览“将[摄影]从新闻摄影的舞台上移开，并将其置于美术的背景下，”佳士得的约书亚•霍尔德曼说。
当然，大多数摄影师作品仍然没有被收藏。“那是一个摄影没有价值的时代，”迈耶罗维茨说。“没有市场。” 与此同时，帕帕乔治开始在哈佛和麻省理工学院任教，然后在耶鲁任教，其项目一直由沃克埃文斯负责，直到 1975 年去世。他成为了主任，在他上任后的两年内，帕帕乔治更换了所有教职员工。耶鲁可以说是该国最重要的项目。几乎没有一位美国主要摄影师不参与其中，无论是作为常规评论小组成员（乔尔·斯特恩菲尔德、迈克尔斯帕诺、詹姆斯·凯斯贝尔、科利尔肖尔、劳里·西蒙斯）还是作为学生（菲利普-洛卡迪科西亚、格雷戈里·克鲁森, 李安湄, 约翰·皮尔森, 贾斯汀库兰)。“当我拍照时，托德的声音仍然是我脑海中的声音，”库兰承认道。它并不总是一个好听的声音：“他是个混蛋，他一点也不喜欢我的作品，”迪科西亚说。也不是进步的：他长期抵制彩色胶卷。
他的严谨，可能还有他的愤怒，似乎是基于对照片能做什么的近乎诗意的理解。“我对摄影的兴趣之一是我觉得它比任何其他视觉艺术更接近写作和文学，”他说。
最终，帕帕乔治在耶鲁最无意中产生影响的举动可能是在 1993 年聘用了格雷戈里·克鲁森，他是艺术界的成功人物。1999 年，克鲁森联合策划了一场名为“另一个女孩，另一个星球”的展览，展出的年轻女摄影师拍摄的青春期女孩照片强调了身份危机。这些艺术家被称为耶鲁女孩。这个话题让帕帕乔治有点讽刺。“我对耶鲁女生的记忆很模糊，”他说。“他们都才华横溢、雄心勃勃、长相英俊。它与图片的关系不大，而与制作图片的人可能制作的图片有关。”
帕帕乔治很高兴得到他等待已久的认可。更大的艺术市场的繁荣，以及对新事物的渴望，即使它是旧的，激发了他和他的同龄人的重新发现。2002 年，国际摄影中心举办了温诺格兰德作品展。2005 年，MoMA 举办了一场弗里德兰德展览，而 PS 1 则展出了斯蒂芬肖尔的一件作品。ICP 将在今年春天举办一场肖尔展览。拍卖行也在效仿。
帕帕乔治的作品被公共收藏，包括现代艺术博物馆和芝加哥艺术学院。1979 年至 2013 年间，他担任耶鲁大学艺术学院摄影研究生部主任。
他开始在耶鲁大学艺术学院任教，并于 1979 年被任命为沃克埃文斯摄影教授和摄影研究生课程主任。在耶鲁大学任职期间，24 名艺术硕士课程的毕业生获得了古根海姆奖学金——包括菲利普-洛卡·迪科西亚、阿维拉多·莫雷尔、格雷戈里·克鲁德森、李安湄、凯蒂·格兰南和蒂姆·戴维斯。
1970年，以拍摄“美国观赏性体育”， 帕帕乔治获得了古根海姆奖学金。在越南战争的一个特别分裂的时期，他用徕卡相机和广角镜头将他的照片“直到边缘，甚至超过边缘”，充满事件和戏剧性。
这些标志性事件（世界大赛、棉花杯等）和同样标志性的空间（老洋基体育场、伯明翰的军团球场）的照片——其中70张组成了“美国体育，1970年，或我们如何度过越南战争”，这本书于2008年出版，将看似歇斯底里的比赛能量和遥远的战争结合在一起，形成了一个强有力的隐喻性的结。
穿越伊甸园——中央公园
苏珊·利珀苏珊·利珀（Susan Lipper）
（1962年，生于德国巴特萨尔茨乌夫伦）
苏珊·利珀在纽约市出生和长大。在大学学习叶芝的英国浪漫主义诗歌后，她于 1983 年毕业于耶鲁大学艺术学院，获得摄影硕士学位。后来，她获得了国家艺术基金会和纽约艺术基金会的奖学金，并且大多数最近是 2015 年约翰·西蒙·古根海姆纪念基金会奖学金。公共收藏包括纽约大都会艺术博物馆；洛杉矶当代艺术博物馆；旧金山现代艺术博物馆；休斯敦美术博物馆；和伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆。
苏珊•利珀 在高级图片，纽约，2017 年。摄影：乔丹威茨曼
离开耶鲁大学并在伦敦居住了三年后，她回到纽约并开始在美国各地旅行以拍摄照片，从而产生了一系列既存在于纪录片传统中又存在于纪录片传统之外的作品。1987 年，她走遍了这个国家的大部分地区，这是由一种新发现的爱国主义以及通过她的工作提高摄影素养的承诺所激发的。
利珀的实践是在乡村小路上旅行，但她也希望在一个环境中停留更长时间，以便执行更深入的项目。一系列偶然事件导致她前往西弗吉尼亚州的一个未合并的小镇葡萄藤（Grapevine），在那里，她立即被大多数居民收留，特别是被某个家庭收留。
葡萄藤
菲利普·洛卡·迪科西亚菲利普·洛卡·迪科西亚 （Philip-Lorca diCorcia）
（1951年，生于美国康涅狄格州哈特福德）
迪科西亚家族是意大利裔，从阿布鲁佐移居美国。他进入波士顿美术博物馆学院，在那里他于1975年获得了文凭，并于1976年获得了第5年证书。随后，迪科西亚进入耶鲁大学，并于1979年获得了摄影艺术硕士学位。他现在康涅狄格州纽黑文的耶鲁大学任教。
菲利普·洛卡·迪科西亚 出现在20世纪80年代，是寻求探索和挑战媒介边界的一代摄影师中的一员。在过去的三十年里，他以精心策划和精心制作的照片而闻名，这些照片涉及各种各样的人，包括朋友、亲戚、匿名陌生人、钢管舞者和街头男性服务工作者等。迪科西亚将他的主题部署在先入为主但看似随意的位置和环境中，这远非抓拍的快照，而是探索偶然与摆姿势、偶然与命中注定之间的紧张关系。他的作品既是纪实摄影又是戏剧，在事实和虚构的缝隙中运作。
菲利普•洛卡•迪科西亚
菲利普·洛卡·迪科西亚的照片通过结合真实的人和地方来跨越真实和虚构——但不一定是自然而然地在一起的人和地方。他的图像的戏剧性是精心构建的：他安排每个场景的对象，并为每个项目设计精确的照明和取景。他的作品经常被描述为电影般的，这是迪科西亚所反对的描述。他坚持认为他的照片暗示而不是阐明一个完整的故事。他的讲故事风格导致不稳定、不固定的图像指向特定方向，但从不提供明确的地图。
“我不会尝试在现场拍摄快照，也不会像在电影片场那样制作电影片段。 我试图消除刻板印象。 我试图找出我们如何理解人们。 在我的照片中，人们不是他们自己，他们代表了人类的一种状态”
男性服务工作者
蒂姆·戴维斯蒂姆·戴维斯（Tim Davis）
(1969年，生于马拉维)
蒂姆·戴维斯
蒂姆•戴维斯是一位美国视觉艺术家和诗人，居住在纽约市和纽约州的蒂沃利。他是几本摄影集的作者和主题，还有一本诗集。他于 2007 年获得罗马奖。戴维斯曾在泰特现代美术馆、惠特尼博物馆、现代艺术博物馆和格林伯格范多伦画廊等国际知名博物馆和画廊举办展览。
他已经出版了七本专著，包括 《我正在看穿你》将于今年春天 2021 年与光圈一起出版。戴维斯拥有耶鲁大学的艺术硕士学位，并在那里教授摄影，并拥有巴德学院的学士学位，目前是该学院的摄影副教授。
《我的政治生涯》
“如果竞选标志、徽章、保险杠贴纸和旗帜不仅仅是美国人政治生活的昙花一现，而是它们的实质内容呢？这种现象在摄影与主题保持距离的接触中引起共鸣，这让我的政治生活深感悲伤同时盛大。”
——彼得·埃利，弗里兹杂志
“戴维斯先生渴望得到沃克·埃文斯面无表情的凝视、干练的机智和简洁的好奇心。他的照片拒绝宣传，暗示着对左右两翼的怜悯，一种民主是一团糟的感觉……但它也提醒我们，相机，就其本质而言，可以为它所看到的任何事物赋予奇特的优雅，无论多么凄凉或边缘。”
——迈克尔·基梅尔曼
在这本书中，言论自由以最随意的方式展示，政治、商业和民粹主义标牌在社会景观中争相引起人们的注意，剖析了当前美国公民生活中的幻灭。戴维斯的作品代表了最好的摄影观察，将对日常调色板的仔细管理与对光线弯曲和折射点的敏锐眼光结合起来，成为不仅仅是照明的东西。
我的政治生涯
我的听众
罗马美国学院
美国大学
阿默斯特的书
光圈机构
耶鲁大学
马莱丽·马德尔马莱丽·马德尔（Malerie Marder）
（1971年，生于美国宾夕法尼亚州费城）
马莱丽·马德尔在康涅狄格州纽黑文的耶鲁大学完成了她的艺术硕士学位，并在1999年与其他12位摄影师一起参加了展览《另一个女孩，另一个星球》，包括凯蒂·格兰南，贾丝汀·库兰，达娜·霍伊和莎拉·琼斯。马德尔还任耶鲁大学、加利福尼亚艺术学院、纽约国际摄影中心、创意摄影中心客座讲师。
马莱丽·马德尔的拍摄的私密肖像包括她的母亲和她的前男友、演员彼得·萨斯嘉德，场景从酒店浴室到好莱坞平房，都收录在 《肉体知识》中。马德尔和紫罗兰出版社合作四年，这本写真集收集了马德尔十年职业生涯中的图像，每幅图像都在艺术家偷窥的注视下充满了明显的自我意识。
马莱丽•马德尔
她的作品以鲜艳的色彩和黑白裸体照片为中心，并因其令人不安的个人、性和心理方面而受到关注。这位艺术家通过拍摄不穿衣服的朋友和家人来审视人类的亲密关系。她让观众成为偷窥者，因为亲密的、郊区的时刻在他们所有的荣耀和缺陷中都永生不朽。
“我的工作与隐私和保密有很大关系，”这位洛杉矶摄影师说。
“我天生就被这件事吸引住了，有人在镜头前使人疑虑，而这一刻通常会保持私密。那是我的动力，或者，在某种程度上是我的瘾。” 马德尔的照片被古根海姆博物馆和大都会艺术博物馆等收藏。
解剖学
肉体知识
凯蒂·格兰南凯蒂·格兰南（Katy Grannan）
（1969年，生于马萨诸塞州阿灵顿）
凯蒂·格兰南是一位当代美国摄影师，以拍摄陌生人的亲密肖像而闻名。格兰南的作品源于她自己童年的回忆以及黛安·阿勃丝的摄影传统。“我害怕事情变得美好并且知道会发生什么，”她解释道。“拍一张照片是获得我原本不会拥有的体验的许可。”
她曾就读于宾夕法尼亚大学和哈佛大学，之后于 1999 年获得耶鲁大学艺术学院摄影硕士学位。凯蒂·格兰南 目前在加利福尼亚州伯克利生活和工作。如今，格兰南的作品被纽约所罗门·R·古根海姆博物馆、旧金山现代艺术博物馆和洛杉矶郡立艺术博物馆等收藏。
旧金山湾区中的凯蒂格兰南。二十一世纪的艺术第9季。2018年9月 28日。
从 2000 年代初开始，格兰南开始在报纸上发布招聘广告，寻找模特在纽约波基普西等小镇周围拍照。无论是在户外还是在家中，她的模特都摆着挑逗的裸体姿势，格兰南的照片探索了窥淫癖、欲望和秘密。
波基普西
神秘湖
安娜•科莱特安娜•科莱特 (Anna Collette)
(1974 年，出生于马萨诸塞州)
安娜·科莱特
安娜•科莱特获得了马萨诸塞艺术学院的艺术学士学位和耶鲁大学的艺术硕士学位。她目前住在德克萨斯州奥斯汀，是德克萨斯大学奥斯汀分校艺术与艺术史系的助理教授。
安娜·科莱特的摄影探索了当代风景中相互矛盾的概念。她的作品始于 2002 年，其系列作品描绘了城市和郊区环境中的自然世界。科莱特的作品从视觉上和隐喻上重新定义了我们日益发展的失败理想主义。
她的作品是《入侵物种》(2005-2007)，展示了入侵植物葛根或野葛的景象，这种植物正在占领东北大片地区。在这里，风景既是可怕的破坏又是超凡的美的隐喻。科莱特的另一部作品《黑暗风景》(,2008) 描绘了冬季黄昏时分的森林。她将底片曝光，使每张图像都几乎无法被人眼察觉，然后用扫描仪完美地读取和渲染底片，展现出一个不可逾越、纠结和令人生畏的境界。
入侵物种系列并不像人们最初猜测的那样，是一片广阔的野生景观，如此原始和无瑕疵，以至于它实际上是压抑的。相反，这些位于美国东北部的森林是迄今为止本土植物与野葛之间徒劳斗争的最新前线。这种葡萄树原产于日本南部和中国东南部，但自从在佛罗里达州被引入后，已经蔓延到美国大约三分之一的土地，现在正在穿越大西洋中部和东北部各州。这种缓慢而又不可阻挡的地面入侵，不断地、不知不觉地蔓延到新的战场，威胁着与美国身份和意识形态观念密切相关的景观。
入侵物种
黑暗风景
贾斯汀·库兰贾斯汀·库兰（Justine Kurland）
（1969年，生于纽约华沙）
库兰的母亲在文艺复兴时期的集市上出售服装，因此库兰和她的妹妹过着某种游牧的生活方式。15岁那年，库兰逃到曼哈顿，与一个有同情心的阿姨搬到了一起，并专注于成为一名艺术家。她于 1998 年获得耶鲁大学艺术硕士学位。库兰的童年经历和她目前的经历都影响了她的工作风格和主题。她现在大部分时间都在路上，寻找拍摄地点和招募模特。
贾斯汀•库兰 贾斯汀•库兰
她的“女孩图片”系列拍摄于1997年至2002年间，库兰是在耶鲁大学师从格雷戈里·克鲁森的的老一辈女性艺术家中的一员，格雷戈里·克鲁森是另一位以其电影般的、高度舞台化的照片而闻名的摄影师。库兰、达纳·霍伊、凯蒂·格兰南和马勒里·马德尔都在参加1999年的群展《另一个女孩，另一个星球》后获得了早期的认可，该展预示了我们这个时代对女性凝视的摄影。
女孩图片
丹娜·辛格丹娜·辛格（Danna Singer）
（1972年，生于美国新泽西州）
丹娜是一位美国摄影师，她获得了普拉特学院的艺术学士学位和耶鲁大学艺术学院的艺术硕士学位。她的作品曾在国内外展出，并由纽约时报杂志、纽约客和美国公民自由联盟出版。她居住在费城，她的工作围绕人像和纪实摄影的长期项目展开。
丹娜·辛格
如果大海下雨
美国有一群人被遗忘了。他们不像无数美国人那样“自由”。很多人想当然地认为自己可以“自力更生”，做更好的自己；然而，对于这群美国人来说，事实并非如此。许多人都在为被人看到、为维持生计、为值得他人轻易（甚至是不假思索地）提供的舒适而挣扎。
我的一些图像是记录——在相机前展开的瞬间。其他的则是根据记忆创作的，或者是重新发明的虚构作品，力求不同的真理——与绘画和摄影史对话的真理。但所有这些都涉及工人阶级的斗争、成瘾的循环、教育缺陷以及定义我成长的美国的偏执暗流。
——丹娜·辛格
格雷戈里·克鲁森格雷戈里·克鲁森（Gregory Crewdson）
（1962年，生于美国纽约布鲁克林）
©格雷戈里·克鲁德森，丹尼尔·卡普拍摄
格雷戈里·克鲁森精心设计的照片集中表现了家庭生活、自然和未知之间的紧张关系。在他精心设计的结构中，人物的行为是潜意识的，就好像在一个外来实体的魔咒下。他们不寻常的行为暗示了一种涉及超自然接触的神秘叙述。克鲁森承认史蒂芬·斯皮尔伯格的电影《第三类亲密接触》是其主要影响。在那部电影中，一个普通的美国男人在与不明飞行物接触后，在情感和心理上都发生了变化。像电影中的角色一样，克鲁森的主题表演古怪的，仪式感的行为。
在《暮光之城》系列中，克鲁森探索了美国郊区景观和自然的图像，揭示了人们的心理焦虑、恐惧和渴望。家庭环境（用肥皂盒、牛奶盒、洗衣粉盒等传统装饰来表示）经常出现在大自然的边缘，威胁着破坏其脆弱的平衡。这些暮色时刻的场景，当自然光和人造光同时出现时，暗示着一个蜕变的时刻。
在1999年的《无题》中，克鲁森从这个系列中捕捉到了一个看似普通的郊区女人的超然召唤，她在车库里创作了一个大型花卉雕塑，似乎是在自动驾驶。作为偷窥者，我们被一个人为了自己的杰作而冒着摧毁家园、家庭和自我的危险的非凡行为所吸引。人物创作这一堆的动机，就像创作艺术的动机一样，被描绘为拥有一切。
作为耶鲁大学的摄影教授，克鲁森对他的学生有着深远的影响，他是一群利用精心组装的模型和舞台组件的摄影师的先驱。这些艺术家将传统纪实摄影风格与虚构元素融为一体。通过使用这种技术，摄影师不再被动地体验世界然后编辑它，而是主动地创造世界然后拍摄它。
——源自：布罗德美术馆
在玫瑰之下
时代精神电影
“一部关于美国在世最伟大摄影师之一作品的精彩新纪实。”
Flush 杂志（英国）
“引人入胜...... 克鲁森的世界是一个可怕的、可爱的、离奇的地方，一个真实世界的美国暮光之城。”
奥斯汀编年史
“一个美丽而沉思的克雷森的过程。”
巴黎评论
暮光之城
李安湄李安湄 ( An-My Lê)
（1960年，出生于越南西贡）
目前在紐約居住及工作。
李安湄的肖像。约翰 D. 和凯瑟琳 T. 麦克阿瑟基金会。
李安湄是一位艺术家，他拍摄的风景照片因战争或其他形式的军事活动而改变，模糊了事实与虚构之间的界限，并具有丰富的层次意义。
作为一名越南难民，自 1975 年以来一直居住在美国，李安湄的大部分作品都受到她自己的战争和混乱经历的启发。从她 1994 年回访越南时拍摄的黑白照片，到美国乡村的越战重演照片，她的照片跨越了纪录片和概念，创造了一种中立的视角，带来了媒体本质上的模糊性脱颖而出。
在她的系列《29 颗棕榈树》 (2003–2004) 中，李安湄记录了美国士兵在部署到伊拉克之前在南加州沙漠中的训练。她将相机交替对准年轻的新兵和他们练习演习的崎岖地形，为照片增添了明显的矫揉造作，引发了对当代战争的浪漫和神话的猜测。目前，李安湄正在记录美军在世界各地现场的存在，那里的人员正在执行训练任务、在国际水道巡逻并提供人道主义援助。另一个正在进行的系列探讨了过去 25 年来移民到路易斯安那州南部的越南国民与他们在湄公河三角洲的家乡之间的持续联系。从全新而有力的角度探讨战争和风景主题。
李安湄获得了斯坦福大学的文学学士（1981 年）和硕士学位（1985 年）以及耶鲁大学的艺术硕士学位（1993 年）。自1998年以来，她一直隶属于巴德学院，目前是该学院摄影系的教授。她的作品曾在现代艺术博物馆、MoMA PS1、大都会艺术博物馆、芝加哥当代摄影博物馆和旧金山现代艺术博物馆等场所展出。
——麦克阿瑟基金会
作品
阿韦拉多·莫雷尔阿韦拉多·莫雷尔（Abelardo Morell ）
（1948 年，出生于古巴哈瓦那）
阿韦拉多·莫雷尔，阿丽莎·麦克唐纳摄
阿韦拉多·莫雷尔 1948 年出生于古巴哈瓦那，1962 年随父母移民美国。莫雷尔获得鲍登学院本科学位和耶鲁大学艺术学院艺术硕士学位。他于 1997年获得鲍登学院荣誉学位，并于2014年获得莱斯利大学荣誉学位。他于1983 年至2010年在波士顿的马萨诸塞艺术与设计学院担任摄影教授。
阿韦拉多·莫雷尔是一位出生于古巴的当代美国摄影师，以使用暗箱拍摄土地和城市景观而闻名。这位艺术家对早期技术的兴趣来自于 1990 年代初期向他的学生进行的一次演示，此后他一直使用该技术将室外和室内空间转变为摄影过程的媒介。
莫雷尔曾说过“摄影的力量在于让梦想变得非常具体”，结果可能看起来超现实。
1948年9月17日出生于古巴哈瓦那，1962年随家人移居美国。1977年毕业于鲍登学院，1997年获得荣誉美术博士学位。莫雷尔在耶鲁大学继续深造，于1981年获得艺术硕士学位。
这位艺术家目前在马萨诸塞州波士顿生活和工作。
布鲁克林大桥的屋顶景观，2010年
地面上的图像——艺术家陈述：
自1991年以来，我已将房间改成照相暗盒，以便用房间的内部拍摄外界的奇妙而令人愉悦的相遇。
为了寻找使用此技术的新方法，我与助手希杰·海利格一起设计了一个防光帐篷，该帐篷可通过潜望镜式光学器件投射到周围地面的景象。
帐篷，在这个空间中，我拍摄了这两个在地面上见面的户外现实的三明治。根据表面的质量，这些视图可以具有多种绘画效果。相机上增加了数字技术的使用，使我可以在更短的时间内记录视觉瞬间，例如，现在我可以让云朵和人出现在一些照片中。
19世纪，一些艺术家采用了这种装备特别的帐篷来观察风景的方法，以便在纸上追踪他们在风景中看到的东西。有趣的是，这种摄影方式甚至在摄影术发明之前就已经完成了。
我的帐篷照相机使我解放，可以在以前曾经使用过的地方使用“帐篷照相机”技术。
帐篷照相机示意图
约旦池塘和泡泡山的看法。阿卡迪亚国家公园，缅因州，2010 年
与沙滩和岩石，阿卡迪亚国家公园，缅因州，2010年
大教堂岩石鸟瞰图从埃尔卡皮坦草甸。优胜美地国家公园，2012年
德克萨斯州大弯国家公园博基拉斯峡谷附近的里奥格兰德州和墨西哥视图，2011年
艺术家陈述：
1991年，我在昏暗的客厅中使用摄影机遮蔽技术制作了第一张照片。在设置此类照片的房间时，我用黑色塑料覆盖了所有窗户，以实现完全黑暗。然后，在用来覆盖窗户的材料上切一个小孔。该开口允许外部视图的倒置图像泛滥到房间的后墙上。通常，然后我将大幅面相机聚焦在墙上的传入图像上，然后在胶片上进行相机曝光。开始时，曝光时间从5到10个小时不等。
随着时间的流逝，这个项目将我从客厅带到了世界各地的各种室内装饰。制作这张图像令我满意的原因之一，是我看到了内部和外部的怪异而又自然的结合。
几年前，为了提高此过程的视觉潜能，我开始使用彩色胶片，并将透镜放置在窗户塑料上的孔上，以增加传入图像的整体清晰度和亮度。现在，我经常使用棱镜使投影朝上。借助数字技术，我也能够大大缩短曝光时间，从而可以捕获更多的瞬时光。我喜欢户外在这些新作品中增加的真实感。内部和外部的婚姻现在由更平等的伴侣组成。
达乌德·贝达乌德·贝（Dawoud Bey）
（1953 年11月25日，生于纽约州纽约市皇后区）
达乌德•贝
达乌德·贝原名大卫·爱德华·斯迈克尔(David Edward Smikle)，出生于纽约市牙买加纽约皇后区。1970 年代初期，他将自己的名字改为达乌德·贝( Dawoud Bey)。
他于 1977-78 年就读于纽约视觉艺术学院，1990 年毕业于帝国州立大学摄影专业，并于 1993 年获得耶鲁大学艺术学院的艺术硕士学位。1979 年，达乌德·贝的系列摄影作品“美国哈林区”在他的第一个个人展览中在哈莱姆的工作室博物馆展出。从那以后，他在世界各地举办了无数展览，包括芝加哥艺术学院、伦敦巴比肯艺术中心、克利夫兰艺术博物馆、洛杉矶县艺术博物馆、底特律艺术学院、纽约高等艺术博物馆等机构。佐治亚州亚特兰大、伦敦国家肖像画廊和惠特尼美国艺术博物馆等。沃克艺术中心为他的作品组织了一次职业生涯中期调查，名为“达乌德·贝：肖像 1975-1995”，该调查走遍了美国和欧洲的各个机构。同名的主要出版物也与该展览一起出版。班级图片：达乌德·贝拍摄于 2007 年由光圈出版。该作品的巡回展览于 2007 年至 2011 年在全国各地的博物馆巡回展出。
达乌德·贝目前居住在伊利诺伊州芝加哥市，是芝加哥哥伦比亚学院的艺术教授和学院杰出艺术家。
作品
达乌德•贝的三频道视频安装在新奥尔良历史博物馆。
丽莎克雷西丽莎克雷西（Lisa Kereszi）
（1973 年，出生于宾夕法尼亚州）
丽莎克雷西于1995 年获得巴德学院学士学位，2000 年获得耶鲁大学艺术硕士学位。她于 2005 年获得鲍姆奖最佳新兴美国摄影师，并着有三本专著：《幻想》(2005 )；《娱乐和游戏》 (2009)，以及《乔的垃圾场》( 2012)。
克雷西的作品曾在许多主要机构展出，包括纽约惠特尼美国艺术博物馆；纽约新博物馆；纽约布鲁克林艺术博物馆；纽约国际摄影中心；北京尤伦斯当代艺术中心；除其他外。她的作品可以在许多公共收藏中找到，包括休斯顿美术博物馆；纽约历史学会；惠特尼美国艺术博物馆，纽约；和耶鲁大学美术馆，纽黑文等。
克雷西在纽黑文生活和工作。她目前是耶鲁大学摄影本科生课程的讲师和代理主任。
©丽莎克雷西肖像
丽莎克雷西探索休闲和逃避现实的世界，以挑剔的眼光审视她拍摄了近 20 年的场所，例如游乐园、电影院、潜水酒吧、脱衣舞俱乐部和拱廊。受到将我们带入幻想境界的环境的启发，克雷西剥离了薄薄的面纱，展现了这些空间更加坚韧和行人的景色。
在“乐趣和游戏”中，克雷西专注于廉价流行娱乐场所内的平庸细节，例如脱衣舞杆的底座、通往剧院的台阶和金色舞台幕布。从更大的背景中移开，这些经过紧密裁剪的图像专注于这些环境的低成本材料和简陋构造，迫使我们考虑创造一个人们会相信的幻想世界所需要的东西是多么少。
在她后来的系列项目“派对结束了”中，克雷西从类似场所寻找废弃地点和被遗忘的蜉蝣。我们看到一个旧纸板箱，里面装着一个迪斯科球和一个塑料鲨鱼头，从体育酒吧后面的湖中探出水面。这些鲜明的图像与照片搭配在一起，其中克雷西采取了一种不太直接的方法，使用窗户和倒影来柔化该系列阴沉的色调，将它们定位为通往更美好时光的隐喻门户。
派对结束了
理查德·莫斯理查德•莫斯（Richard Mosse ）
（1980年，出生于爱尔兰基尔肯尼）
理查德•莫斯的肖像。Sherrie Hui拍摄
莫斯于 1980 年出生于爱尔兰，现居纽约。他于 2008 年获得耶鲁大学艺术学院摄影硕士学位，并于 2005 年获得伦敦金匠学院美术研究生文凭。威瑟斯彭艺术博物馆，格林斯伯勒；巴斯艺术博物馆，迈阿密；德国柏林美术馆；爱尔兰文化中心，巴黎；都柏林当代双年展；安特卫普摄影博物馆 (FoMu)；泡沫，阿姆斯特丹；和伦敦泰特现代美术馆。
理查德·莫斯的摄影捕捉了战争和毁灭中的美丽与悲剧。莫斯在地球最遥远的地方拍摄了废弃的飞机残骸，以及现在被美军占领的乌代和萨达姆侯赛因的前宫殿。他的《红外线》系列捕捉了刚果民主共和国叛乱派系与刚果国民军之间正在进行的战争。
《红外线》 系列以莫斯使用柯达“Aerochrome”为标志，这是一种已停产的侦察红外胶片。这部电影记录了活植被中的叶绿素。结果是郁郁葱葱的刚果热带雨林被渲染成美丽的粉红色和红色的超现实景观。莫斯在接受英国摄影杂志采访时说 ：“我想将这项技术输出到更艰难的情况，以颠覆僵化的大众媒体叙事的一般惯例，并挑战我们被允许代表这种被遗忘的冲突的方式……我想面对这种军事侦察技术，反射性地使用它来质疑战争摄影的构建方式。”
莫斯是 2014 年德意志交易所摄影奖的获得者。2013 年，莫斯代表爱尔兰参加了威尼斯双年展，展出了 使用 16 毫米红外并将其传达给世界的能力”
在伦敦国王学院攻读英国文学本科学位后，莫斯开始从事摄影工作。此后，他在英国和美国的其他几所院校学习，获得了摄影和美术方面的学位和奖学金。
莫斯的作品侧重于新闻摄影题材，这让他得以重温他所描述的创伤性文化历史，尤其是在伊拉克和刚果。在拍摄现实生活中的场景和人物时，莫斯因使用柯达“Aerochrome”红外线胶片而获得认可，这种红外胶片可以制作出色彩缤纷、近乎超现实主义的图像。
这位摄影师最近的展览“飞地”已在爱尔兰和意大利等地展出。“飞地”突出了刚果民主共和国东部的战区，该地区饱受军事化暴力和大规模破坏的困扰。该展览展示了莫斯在刚果民主共和国期间拍摄的照片和电影。
克-史恩曼(Jack Shainman)画廊
莫斯使用的军用相机
莫斯使用了一种嵌入武器级技术的创新相机，使摄影师能够观察和捕捉 30 公里以外的人的图像。军用长焦相机中的技术是如此高科技，以至于莫斯能够像导弹看到的那样捕捉人类，捕捉到看不见的元素，比如用传统相机无法捕捉到的体温。
（从右到左）摄影师理查德·莫斯、作曲家本弗罗斯特、作家约翰霍尔顿和电影摄影师特雷弗吐温在希腊莱斯博斯岛，照片：Artnet艺术网
作品
包厚华包厚华（Pao Houa Her）
（1982年，生于老挝）
包厚华
包厚华是一位苗族裔美国艺术家，她的实践主要涉及风景、肖像和纪实摄影传统和美学的遗产和潜力，创作的作品审视苗族散居社区的身份、渴望和归属感。
她的个展包括明尼阿波利斯沃克艺术中心的《天空之花》（2022-2023年），在加拿大温哥华Or画廊《就业》（2020年）和在明尼阿波利斯的中途当代艺术中心《我的祖父变成了老虎》（2018 年）。最近在惠特尼双年展（2022年）展出，她的作品被收录在华盛顿特区国家肖像画廊的群展中；密尔沃基艺术博物馆；清迈美亚当代艺术博物馆；明尼阿波利斯艺术学院；在许多其他人中。作为 2022 年奥特温·布谢弗肖像比赛（2022 年）的获奖者，她是麦克奈特视觉艺术家奖学金（2022 年和 2016 年）和杰罗姆新兴艺术家奖学金（2019 年）的获得者。著名的公共收藏包括新加坡艺术博物馆和沃克艺术中心。
她是明尼苏达大学摄影和移动图像专业的助理教授。她拥有耶鲁大学艺术学院的摄影硕士学位 (2012年) 和明尼阿波利斯艺术与设计学院的摄影学士学位 (2009年)。
包厚华于 1982 年出生于老挝，在明尼苏达州长大，现居布莱恩。
——来源，博克利画廊
包厚华以拍摄美国和老挝苗族侨民的有力照片而闻名，探索移民、流离失所以及社会和生态复原力等主题。这位居住在双子城的艺术家采用形式严谨的方法并同时使用彩色和黑白摄影，从肖像画、风景画和静物画的传统中汲取灵感，以批判和有趣的方式处理虚构与现实之间的界限。
对于她在沃克的个展，她将首次亮相过去两年在北加州创作的一系列新作品。这位艺术家的灵感来自一篇关于“绿潮”的报纸文章，该术语用于描述最近农民向加利福尼亚州的迁移，让人想起 1800 年代中期的淘金热。在偏远的沙斯塔山地区，苗族农民利用他们祖传的高原农业知识来耕种山区的火山地形。在该州大麻合法化后，她的照片聚焦于备受争议的景观，该景观已成为可观的自给农业和大麻种植地。展览名称Paj qaum ntuj（发音为“paah kohm duu”）翻译成“天空之花”，这是一个暗示种植大麻的苗族短语。这句话的诗意和生动的品质表明艺术家有兴趣使苗族语言和土地如何经常交织在一起。
她说道：
苗族有一句谚语，说天地分离。向一个方向冒险的人不能回到另一个方向。开始的选择变成了决定，而这些才是人生轨迹的真正标志；我们的决定决定了我们与谁同行、与谁赛跑、等待谁、背负谁、失败了谁以及我们如何跌倒。
尽管他们在这片严酷的土地上成功地种植庄稼并形成了充满活力的社区，但艺术家指出，沙斯塔山地区的苗族美国人也经历了自然灾害期间的反亚裔报复、犯罪侧写、暴力执法和有限的政府保护。与媒体的冲突形象相反，包厚华 的作品为实地体验赋予了诗意的尊严和身体的真实感，并提供了对社区的亲密描绘。
这些作品的展示模仿了广告策略，传达了应许之地的光彩魅力。虽然在这些照片中都看不到人，但他们的劳动工具暗示了他们隐含的存在。通过揭示他们在这个经常被忽视的地方的活动痕迹，这位艺术家向美国苗族在不公正中坚持不懈并克服挑战的方式致敬。苗族词tebchaw——字面意思是“陆地”——描述国家、民族国家或地区。形象地说，它与许多苗族人的记忆中唤起希望的家园和地理环境有关。
展览还展出了精选的卫星照片，展示了该地区农田的景色。她对这些图像的使用引发了关于政府管理和控制人口方式的关键问题。展览以受兄弟歌曲或苗族歌曲诗歌启发的双屏移动图像和声音装置达到高潮。苗族文化中这种复杂的音乐和文学传统通常是成对进行的：父母对孩子、朋友对朋友或情人对情人。这种艺术形式表达了广泛的主题，包括自然、亲属关系、情感和求爱，并且在代代相传的知识中发挥着至关重要的作用。
天空之花
